Πού μπορείτε να επισκεφθείτε το μεγαλύτερο μουσείο μοντέρνας τέχνης στην Ευρώπη; Στο Παρίσι φυσικά! Το Centre Pompidou φιλοξενεί μια τεράστια συλλογή έργων τέχνης από μερικούς από τους πιο διάσημους σύγχρονους καλλιτέχνες σε ένα από τα πιο όμορφα κτίρια. Αυτό το άρθρο μοιράζεται μερικά από τα πιο διάσημα έργα τέχνης που θα δείτε στο Centre Pompidou για να σας προετοιμάσει για μια επίσκεψη στο πιο πολύχρωμο μουσείο του Παρισιού.

Επαγγελματική συμβουλή: Σχεδιάζετε το ταξίδι σας στο Παρίσι; Προσθέστε σελιδοδείκτη αυτήν την ανάρτηση στο πρόγραμμα περιήγησής σας, ώστε να μπορείτε να τη βρείτε εύκολα όταν βρίσκεστε στην πόλη. Ρίξτε μια ματιά στον οδηγό μας για το Παρίσι για περισσότερους πόρους προγραμματισμού, τις κορυφαίες περιηγήσεις μας στο Παρίσι για ένα αξέχαστο ταξίδι και τα καλύτερα μουσεία για επίσκεψη στο Παρίσι.

Η σύγχρονη τέχνη που πρέπει να δείτε στο The Centre Pompidou

Μπορεί να περάσατε από το Κέντρο Πομπιντού και να αναρωτηθήκατε γιατί το κτίριο φαίνεται ημιτελές με ανθρώπους να περπατούν στις τρελά εξωτερικές σκάλες. Καλώς ήρθατε στη σύγχρονη τέχνη όπου το κτίριο είναι η δική του εκδοχή τέχνης γεμάτη με άλλα 120.000 άλλα έργα τέχνης. Φυσικά, δεν εκτίθενται ταυτόχρονα και τα 120.000 από αυτά τα έργα τέχνης και είναι δύσκολο να επιλέξετε μόνο μερικά για να τονίσετε εδώ.

Σε αυτό το άρθρο, θα σας πω λίγα λόγια για μερικά από τα πιο σημαντικά έργα τέχνης που πρέπει να δείτε στο Centre Pompidou. Αλλά πρώτα, θα πρέπει να εκτιμήσετε το ίδιο το κτίριο, επομένως σταθείτε έξω και λάβετε τις λεπτομέρειες πριν κατευθυνθείτε για να δείτε τους πιο σημαντικούς μοντέρνους πίνακες, γλυπτά και πολλά άλλα.

Ο Patrick Sisson μας λέει ότι είναι αυτό που είναι γνωστό ως «αρχιτεκτονική μέσα προς τα έξω» που σημαίνει ότι φαίνεται ότι κάποιος ξέχασε να τελειώσει το κτίριο! Τεράστιοι σωλήνες και δομικές λεπτομέρειες εκτίθενται και βάφονται με βασικά χρώματα, ώστε να μην χάσετε αυτό το μέρος ή τα γλυπτά στο τεράστιο σιντριβάνι κοντά.

Το Centre Pompidou είναι στην πραγματικότητα ένα πολιτιστικό κέντρο στο κέντρο του Παρισιού κοντά στο Le Marais. Είναι επίσης το σπίτι σε μια τεράστια δημόσια βιβλιοθήκη και στεγάζει ακόμη και ένα κέντρο για μουσική και ακουστική έρευνα. Ωστόσο, αυτό που επισκέπτεστε είναι το Κέντρο Πομπιντού, όπου θα δείτε μερικές από τις καλύτερες σύγχρονες τέχνες οπουδήποτε στον κόσμο. Ως μπόνους, θα έχετε μερικές από τις πιο εντυπωσιακές απόψεις του Παρισιού (εκτός ίσως από τον Πύργο του Άιφελ) καθώς ανεβαίνετε στην κυλιόμενη σκάλα.

Δεν είστε έτοιμοι να κλείσετε μια περιοδεία; Δείτε τις καλύτερες περιηγήσεις μας στο Παρίσι και γιατί.

13. Με τον Μαύρο Φιόγκο

Βασίλι Καντίνσκι | 1912 | Λάδι σε καμβά | Επίπεδο 4, δωμάτιο 14

Ο Wassily Kandinsky είναι ένας από εκείνους τους καλλιτέχνες που είναι σημαντικοί, αλλά μπορεί να μην καταλαβαίνεις γιατί όταν κοιτάς την τέχνη τους. Το ίδιο πρόβλημα έχει και ο Πικάσο. Λοιπόν, επιτρέψτε μου να εξηγήσω.

Πρώτον, ο Καντίνσκι ήταν ένας από τους κορυφαίους καλλιτέχνες που δημιούργησε πίνακες που ήταν σχεδόν εντελώς αφηρημένοι – τίποτα στους πίνακές του δεν είναι άμεσα αναγνωρίσιμο. Δεύτερον, ήταν πρωτοπόρος των γραφικών τεχνών. Κατά τη διάρκεια της καριέρας του, τα ρευστά σχήματα και μορφές του έγιναν πιο ακριβή και γεωμετρικά. Δίδαξε το στυλ και τις τεχνικές του στη γερμανική σχολή τέχνης που ονομάζεται Bauhaus στη Βαϊμάρη μέχρι το 1925.

Από νωρίς, όμως, ο γεννημένος στη Μόσχα μετανάστης στο Μόναχο και το Παρίσι ήθελε η τέχνη του να έχει μια πνευματική πλευρά. Ο ειδικός του Kandinsky, Kenneth Lindsey σημειώνει ότι η εκδοχή της πνευματικότητας του Kandinsky ήταν κάπως διανοητική και όχι πολύ προσιτή στους περισσότερους ανθρώπους.

Ήταν γνωστός για την ενασχόλησή του με το German Blue Rider Group, μια κολεκτίβα καλλιτεχνών. Όπως ο Καντίνσκι, πίστευαν ότι τα χρώματα, οι γραμμές και τα σχήματα θα μπορούσαν να έχουν βαθύ συμβολικό και πνευματικό νόημα. Επιπλέον, η τέχνη θα μπορούσε να αντανακλά τα εσωτερικά συναισθήματα του καλλιτέχνη αλλά και να είναι καθολικά κατανοητή. Είστε ο κριτής όταν κοιτάτε το κομμάτι του παραπάνω στο Center Pompidou. Η τέχνη μπορεί σίγουρα να έχει ατομικό νόημα.

12. Γαϊτανάκι χοίρου

Robert Delaunay | 1922 | Λάδι σε καμβά | Επίπεδο 5, δωμάτιο 11

Μπορείτε να δείτε γουρούνια ή ένα καρουζέλ; Είναι εντάξει αν δεν μπορείς. Μερικές φορές χρειάζεται ένα λεπτό για να αποκαλυφθεί η μοντέρνα τέχνη, γι’ αυτό γράφουμε αυτό το άρθρο (και γιατί ένας οδηγός είναι τόσο χρήσιμος σε ένα μουσείο!) Σε λίγο περισσότερο από 8 πόδια x 8 πόδια, αυτός ο τεράστιος, πολύχρωμος πίνακας είναι η τρίτη έκδοση ενός γαϊτανιού χοίρου, αν και η πρώτη έκδοση είχε τον τίτλο Electric Carousel .

Ο Γάλλος καλλιτέχνης Robert και η σύζυγός του Sonia και αρκετοί άλλοι καλλιτέχνες καθιέρωσαν ένα μοντέρνο στυλ που ονομάζεται Ορφισμός. Η επιστήμη του χρώματος και της οπτικής γοήτευσε τον Delaunay. Οι εικόνες του περιελάμβαναν αρχικά αναγνωρίσιμα αντικείμενα αλλά σταδιακά έγιναν εντελώς αφηρημένες με γεωμετρικά σχήματα και άλλες μορφές. Ένα πράγμα που αγαπούσε ο Delaunay ήταν να δείξει πώς τα χρώματα αλληλεπιδρούν μεταξύ τους για να δημιουργήσουν διαφορετικά οπτικά εφέ και ακόμη και οπτικές ψευδαισθήσεις.

Σύμφωνα με την ιστορικό τέχνης Vicky Carl, αυτός ο πολύχρωμος πίνακας είναι μια γιορτή της σύγχρονης πόλης των λεγόμενων Roaring Twenties. Η πόλη του Παρισιού έμοιαζε με ένα γρήγορο γαϊτανάκι από φώτα, χρώματα και θόρυβο. Ο Delaunay ήθελε να συλλάβει αυτή την αίσθηση.

Παρατηρήστε τα μαύρα πόδια με κάλτσες κάποιας ανώνυμης χορεύτριας στο κέντρο. Κάτω, κοντά στο κάτω μέρος του πίνακα, βλέπετε έναν άνθρωπο-για-πόλεμο με το χαριτωμένο καπέλο και το σκούρο παλτό αυτοκινήτου του. Κάπου αλλού κρύβονται πιθανά πόδια χοίρου, αλλά στην πραγματικότητα είναι οι ζωντανοί κύκλοι του χρώματος που εκφράζουν τον ανεμοστρόβιλο της ζωής.

11. Η πτώση του Ίκαρου

Marc Chagall | 1985 | Λάδι σε καμβά | Επίπεδο 5, δωμάτιο 10

Ας ελπίσουμε ότι ξέρετε για τον μύθο του Ίκαρου που προσπάθησε να πετάξει σαν πουλί με κερωμένα φτερά στην αγκαλιά του. Αν όχι, αυτός ο πίνακας ουσιαστικά απεικονίζει το τελικό αποτέλεσμα με το χιούμορ που μόνο ο Chagall θα μπορούσε να προσθέσει. Ο Ρωσο-Γάλλος μοντερνιστής καλλιτέχνης Marc Chagall έκανε αυτόν τον αξιόλογο πίνακα τον τελευταίο χρόνο της ζωής του.

Ο Σαγκάλ ήταν όλα όσα δεν ήταν ο Ίκαρος. Γεννήθηκε από ταπεινή, εβραϊκή καταγωγή στη Ρωσία. Όπως πολλοί άλλοι καλλιτέχνες των αρχών του 20ου αιώνα, μετακόμισε στο Παρίσι για να κάνει όνομα. Η τέχνη του, εξηγεί η μελετήτρια Victoria Charles, συνδυάζει μοντερνιστικά στυλ και εβραϊκές και ρωσικές λαϊκές ιστορίες.

Υπάρχει συνήθως ένα στοιχείο του μαγικού σε έναν πίνακα του Σαγκάλ – και συχνά το χιούμορ. Σε αυτόν τον πίνακα, ο καλλιτέχνης εξυμνεί την ανθρώπινη αίσθηση της περιπέτειας όσο και επικρίνει την ύβριση του Ίκαρου. Είναι σαν να λέει: «Αν πρόκειται να κάνεις κάτι ανόητο, κάνε το σε μεγάλη κλίμακα».

Η θάλασσα στην οποία πρόκειται να συντριβεί ο μυθολογικός χαρακτήρας είναι στην πραγματικότητα ένα φωτεινό κενό στο χωριό καταγωγής του Chagall στη Λευκορωσία. Απεικονίζει ανθρώπους να στέκονται πίσω και να παρακολουθούν τον Ίκαρο να συντρίβεται σε μια πορτοκαλί φλόγα δόξας! Μια μοίρα πολύ χειρότερη από τον πραγματικό θρύλο!

Δεν είστε έτοιμοι να κλείσετε μια περιοδεία; Μάθετε αν αξίζουν οι περιηγήσεις στο Παρίσι.

10. Νέα Υόρκη Ι

Piet Mondrian | 1942 | Λάδι σε καμβά | Επίπεδο 5, Central Avenue North

Είναι αυτά τα είδη έργων τέχνης που συχνά κάνουν τους ανθρώπους να αναρωτιούνται γιατί δεν κάνουν παρόμοια έργα «απλής» τέχνης. Ωστόσο, υπάρχουν περισσότερα εδώ για να ανακαλύψουμε και γι’ αυτό είναι ένα από τα αγαπημένα μας έργα τέχνης στο Centre Pompidou. Τα κύρια χρώματα του Mondrian με τις μαύρες, άσπρες και γκρι γραμμές και σχήματα είναι τα δομικά του στοιχεία.

Ο Ολλανδός καλλιτέχνης, όπως και άλλοι μοντερνιστές, ήλπιζε να δημιουργήσει ένα νέο στυλ τέχνης που δεν θα βασιζόταν στην αναπαράσταση της αντικειμενικής πραγματικότητας – αυτό που βλέπετε δεν είναι αυτό που πρέπει να είναι. Για παράδειγμα, αν μπορούσατε να τραβήξετε μια φωτογραφία ενός τοπίου, γιατί χρειαζόταν να ζωγραφίσετε μία; Όπως ο Kandinsky, ο Mondrian πίστευε ότι τα χρώματα και οι μορφές θα μπορούσαν να έχουν συμβολικό νόημα. Τούτου λεχθέντος, η τέχνη του δεν ήταν πνευματική. Αντίθετα, ήταν πνευματικό.

Αυτός ο πίνακας με έντονα χρώματα είναι μια γιορτή της ζωντανής Νέας Υόρκης στις αρχές της δεκαετίας του 1940. Βάζω στοίχημα ότι αυτό δεν θα μαντέψατε ότι εννοούσε αυτός ο πίνακας! Αλλά πρέπει να αναλογιστείτε ότι ο Mondrian είχε εγκαταλείψει την κατεστραμμένη από τον πόλεμο Ευρώπη όπως άλλοι καλλιτέχνες.

Ως εκ τούτου, η τέχνη του κατέγραφε βασικά τις εμπειρίες του από το νέο του σπίτι – ζωντάνια, χρώμα, πλέγματα πόλεων, κ.λπ. Ειδικότερα, σημειώνει η Susanne Deicher, η τζαζ και τα ηλεκτρικά φώτα ενέπνευσαν τον καλλιτέχνη να δημιουργήσει πληθωρικούς, αφαιρετικούς πίνακες σε ένα στυλ που ο ίδιος και οι συνεργάτες του είχαν ονομάσει «De Stijl» ή «το στυλ».

9. Σφραγίδα II

Constantin Brancusi | 1943 | Μπλε Μάρμαρο | Επίπεδο 5, Central Avenue North

Δεν είναι πουλί ή αεροπλάνο. Είναι βράχος. Και μάλιστα ένα ημιτελές. Αυτό το όχι εντελώς αφηρημένο γλυπτό έχει σκοπό να αναπαριστά μια σφραγίδα. Ο Constantin Brancusi θεωρείται ο πατέρας της σύγχρονης γλυπτικής, αν και θα ήταν δύσκολο να αντιπαρατεθεί στον Rodin που θα μπορούσε επίσης να διεκδικήσει αυτή την τιμή.

Είναι ένας ακόμη καλλιτέχνης που άφησε τη γενέτειρά του, τη Ρουμανία, και ταξίδεψε στο Παρίσι για να ανοίξει το δρόμο του στον κόσμο της σύγχρονης τέχνης. Τον καλωσόρισαν η Πάρις και η Σέντερ Πομπιντού. Όχι μόνο ο Pompidou εμφανίζει το έργο του, αλλά υπάρχει επίσης ένα ανεξάρτητο κέντρο τέχνης αφιερωμένο στον Brancusi στο βόρειο άκρο της Place Georges Pompidou (από τη rue Rambuteau. Ονομάζεται Atelier Brancusi ή Studio Brancusi και αξίζει να το επισκεφτείτε.

Το απολαυστικό γλυπτό μιας μινιμαλιστικής φώκιας έρχεται μετά από παλαιότερα κομμάτια του Brancusi καθώς εργαζόταν σε όλο και περισσότερα αφηρημένα κομμάτια. Το Bird in Space του 1923 είναι μια λαμπρή οπτική περιγραφή ενός πουλιού με ένα μόνο φτερό. Αλλά περιγράφει επίσης την πτήση του – ένα χαριτωμένο τόξο καθώς ανεβαίνει προς τα πάνω.

Αυτή, τονίζει η ιστορικός Anna Chave, ήταν η ιδιοφυΐα του Brancusi. Μπορούσε να πει μια ιστορία με ελάχιστες λέξεις, χρώμα και βασικές φόρμες. Με το Seal II, δεν είναι πολύ δύσκολο να δεις το βασικό σχήμα μιας φώκιας στον μπλε βράχο.

8. Μπλε II

Joan Miró | 1961 | Λάδι σε καμβά | Επίπεδο 5, δωμάτιο 24

Είτε το πιστεύετε είτε όχι, αυτός ο πίνακας που φαίνεται αρκετά απλός είναι κάθε άλλο παρά, γι’ αυτό τον βρίσκω συναρπαστικό. Κατασκευαστής του είναι ο Καταλανός ζωγράφος Joan Miró που ανέπτυξε την ιδέα αυτού του έργου τέχνης για χρόνια. Ξεκίνησε ως μια σειρά από μικρά σκίτσα.

Κάποια στιγμή, εξηγεί ο γνωστός ιστορικός τέχνης Roland Penrose, έσκισε μικρά κομμάτια χαρτιού και τα πέταξε τυχαία σε έναν μπλε καμβά. Στόχος του ήταν να δημιουργήσει έναν πίνακα βασισμένο στον απόλυτο αυθορμητισμό – χωρίς σχέδιο, χωρίς τάξη. Τελικά, δημιούργησε έναν πίνακα-μαμούθ που στεκόταν πάνω από 8,5 πόδια επί 11,5 πόδια. Είναι τρεις καμβάδες ενωμένοι σε έναν.

Σύμφωνα με τον Penrose, ο καλλιτέχνης προσπαθούσε να δημιουργήσει μια αντίθεση δύο κάπως αντίθετων ιδεών: τον ήσυχο διαλογισμό ενάντια στα άγρια ​​ανθρώπινα πάθη. Το μπλε είναι σαν μια θάλασσα ηρεμίας. Οι μαύρες κουκκίδες μοιάζουν να είναι οργανωμένες και μετά, ξαφνικά, υπάρχει αυτή η άγρια ​​κόκκινη κάθετη στον τεράστιο καμβά. Θα πρέπει να είναι προφανές ότι αυτό είναι το παθιασμένο κομμάτι.

Υπάρχει κάτι πραγματικά υπέροχο στο ότι ο Μιρό κάνει αυτή την αφηρημένη εικόνα τόσο μεγάλη. Είναι σαν μια ζωγραφιά κάποιου επικού γεγονότος, ωστόσο όλα είναι αφηρημένα.

7. Δέντρο, Μεγάλο Μπλε Σφουγγάρι

Yves Klein | 1962 | Pure Pigment and Synthetic Resign σε Σφουγγάρι και Γύψο | Επίπεδο 4, Central Avenue North

Ο τίτλος αυτού του έργου τέχνης σίγουρα απαντά στο «τι;» αν όχι το «γιατί;» Ναι, αυτό είναι ένα σφουγγαρόδεντρο ύψους σχεδόν 5 ποδιών, κατασκευασμένο από γύψο και ρητίνη και στη συνέχεια βαμμένο σε ένα συμπαγές, υπερμαρίν μπλε. Ο καλλιτέχνης, Yves Klein, είναι διάσημος για τους μονόχρωμους πίνακές του, τα γλυπτά και την περφόρμανς.

Σύμφωνα με τη μελετήτρια του Klein, Hannah Weitemeier, ο καλλιτέχνης συνίδρυσε ένα σημαντικό κίνημα τέχνης μετά τον Β’ Παγκόσμιο Πόλεμο που ονομάζεται nouveau réalisme ή νέος ρεαλισμός. Όπως οι πειραματιστές καλλιτέχνες πριν από αυτούς, η ομάδα ήθελε να δημιουργήσει ένα νέο στυλ τέχνης που δεν βασιζόταν στη μίμηση αυτού που μπορούσε να δει κανείς στον φυσικό κόσμο.

Ο Klein ονόμασε την επιλεγμένη απόχρωση του μπλε «International Klein Blue», σημειώνει ο Weitemeier. Αυτό το δέντρο σε φυσικό μέγεθος είναι ένα από τα τελευταία έργα τέχνης του. Σίγουρα θυμίζει δέντρο αλλά ο τίτλος σκοπεύει να σε κάνει να σκεφτείς τα βασικά εργαλεία και τις πρώτες ύλες της τέχνης του. Ο Κλάιν χρησιμοποιούσε σφουγγάρια για να παράγει τους μπλε πίνακές του.

Τότε, μια μέρα, είχε ένα είδος επιφανείας: τα υλικά της τέχνης θα μπορούσαν να είναι και η τέχνη! Έτσι, βλέπετε το δέντρο, το μεγάλο μπλε σφουγγάρι. Και είναι το μόνο που παίρνεις.

6. Το Πλαίσιο

Φρίντα Κάλο | 1938 | Λάδι σε αλουμίνιο

Σε μια εποχή που άντρες καλλιτέχνες, όπως ο σύζυγός της Ντιέγκο Ριβέρα, έβαζαν τη μεξικάνικη τέχνη στον χάρτη, η Φρίντα Κάλο έφτιαχνε αθόρυβα όνομα με μικρούς, εξαιρετικά προσωπικούς πίνακες. Σε σύγκριση με τις τεράστιες τοιχογραφίες που έκανε ο Ριβέρα και άλλοι, οι πίνακες της Κάλο εξερευνούν τη βιογραφία της αλλά και τη μεξικάνικη κληρονομιά της.

Τώρα είναι μια από τις πιο διάσημες γυναίκες καλλιτέχνες της μοντερνιστικής περιόδου και είναι υπέροχο να βλέπεις την Πομπιντού να δίνει στην τέχνη της μια μόνιμη θέση. Η Κάλο έφτιαξε αυτό το αυτοπορτρέτο στο στυλ της μεξικανικής λαϊκής τέχνης, χρησιμοποιώντας ένα πλαίσιο φτιαγμένο από έναν Μεξικανό τεχνίτη. Αυτό το είδος πλαισίου χρησιμοποιείται συνήθως για φωτογραφίες, καθρέφτες ή ιερές εικόνες.

Η Κάλο ζωγράφισε μια δεύτερη κορνίζα με λουλούδια γύρω από το πορτρέτο της και έδωσε στον εαυτό της μια σειρά από φτερά. Αυτό είναι σημαντικό γιατί όταν ήταν 18 ετών, η Κάλο παραλίγο να πεθάνει σε ατύχημα με λεωφορείο. Σύμφωνα με την ιστορικό τέχνης Margaret Frith, τα φτερά αναφέρονται στα βάσανα ή το μαρτύριο του καλλιτέχνη.

Τα αυτοπορτρέτα της Κάλο τείνουν να είναι βάναυσα ειλικρινή. Σημειώστε ότι δεν παρουσιάζεται ως κλασική καλλονή. Αντίθετα, προσπαθεί να εκφράσει κάτι από την εσωτερική της ζωή που είχε μεγάλη αναστάτωση. Παρόλο που απεικονίζει τον εαυτό της ως μάρτυρα, υπάρχει μια εορταστική αίσθηση σε αυτόν τον πίνακα. Αυτό ήταν πολύ το στυλ της: να εξισορροπεί τη χαρά με τον πόνο.

Σημείωση: Τη στιγμή που γράφτηκε αυτό το άρθρο, το The Frame ήταν δανεικό για μια προσωρινή έκθεση, αλλά επρόκειτο να επιστρέψει στις αρχές του 2023. Επικοινωνήστε με τον ιστότοπο του Κέντρου Πομπιντού ή το γραφείο πληροφοριών για την τοποθεσία του.

Δεν είστε έτοιμοι να κλείσετε μια περιοδεία; Μάθετε αν αξίζουν οι περιηγήσεις στο Παρίσι.

5. Πολύτιμα Υγρά

Louise Bourgeois | 1992 | Εγκατάσταση πολυμέσων | Επίπεδο 4, δωμάτιο 21

Αν σταθήκατε μπροστά σε αυτόν τον ξύλινο πύργο νερού, θα είχατε χαθεί εντελώς γιατί βρίσκεται σε ένα μουσείο τέχνης όπως το Κέντρο Πομπιντού. Κυριολεκτικά, γιατί; Λοιπόν, ας ψάξουμε γιατί υπάρχει πάντα μια ιστορία πίσω από κάθε κομμάτι.

Η μυστηριώδης εγκατάσταση της Louise Bourgeois, Precious Liquids , είναι ένας ξεχωριστός, οικείος χώρος που βρίσκεται μέσα στον ανοιχτό εκθεσιακό χώρο του Centre Pompidou. Το εξωτερικό είναι ένας ξύλινος πύργος νερού στη Νέα Υόρκη. Είναι αυτό που υπάρχει μέσα που λέει μια ιδιωτική ιστορία από γυάλινα δοχεία μέχρι ρούχα.

Σύμφωνα με τον καλλιτέχνη σε συνέντευξή του στον Pat Steir, το λευκό φόρεμα του κοριτσιού είναι ένα stand-in για μια νεαρή κοπέλα, πιθανώς την ίδια την Bourgeois. Το μεγάλο ανδρικό παλτό, αντίθετα, αντιπροσωπεύει μια ισχυρή ανδρική φιγούρα, που φαίνεται ότι έχει προκαλέσει μεγάλη αγωνία στο παιδί. Μπορεί να διαδραματίστηκε ένα ανησυχητικό δράμα, αλλά η εγκατάσταση δεν είναι απαραίτητα δυσοίωνη.

Το περίπλοκο έργο τέχνης έχει έναν άλλο τίτλο: «Η τέχνη είναι εγγύηση της λογικής». Μπορείτε απλώς να το δείτε παραπάνω εγγεγραμμένο σε μια πλάκα πάνω από την είσοδο. Στη συνέντευξη, ο Bourgeois προσέχει να επισημάνει ότι η τέχνη δεν είναι η μόνη «εγγύηση της λογικής». Εξηγεί ότι ο κύριος τίτλος στην πραγματικότητα αναφέρεται στα σωματικά υγρά. Τα διαφορετικά υγρά, όπως τα δάκρυα, λειτουργούν σαν βαρόμετρα σωματικής και ψυχικής υγείας.

Μπορεί να νομίζετε ότι όλα αυτά ακούγονται αρκετά περίπλοκα. Έτσι είναι και δεν είναι, όλα σε ένα. Είναι επίσης μια συναρπαστική ματιά στην ψυχή ενός πολύ ταλαντούχου και σημαντικού σύγχρονου καλλιτέχνη.

4. Πορτρέτο της Δημοσιογράφου Sylvia Von Harden

Otto Dix | 1926 | Λάδι και τέμπερα στο ξύλο

Είμαι σίγουρη ότι θα ήταν κολακευτικό να σε πλησιάσουν στο δρόμο με μια προσφορά να ζωγραφίσουν την ομορφιά σου. Λοιπόν, αυτό ακριβώς συνέβη στη δημοσιογράφο Sylvia Von Harden όταν τη συνάντησε ο Γερμανός εξπρεσιονιστής ζωγράφος Otto Dix, σύμφωνα με την επιμελήτρια Marie Gispert. Αναφώνησε ότι έπρεπε οπωσδήποτε να ζωγραφίσει το πορτρέτο της και συμφώνησε.

Κοιτάζοντας αυτό το πολύχρωμο πορτρέτο και το εξίσου πολύχρωμο θέμα, πρέπει πραγματικά να συμφωνήσετε με τον Dix. Υπάρχει κάτι συναρπαστικό σε αυτή τη σκηνή από το Βερολίνο της εποχής της Βαϊμάρης. Φαίνεται να έχει μια έμφυτη οπτική για αυτή τη συναρπαστική πολιτιστική περίοδο μεταξύ των δύο μεγάλων πολέμων. Ίσως κουρασμένη, καπνίζει ένα τσιγάρο χωρίς μυαλό και περιμένει να τη διασκεδάσει ένας άλλος φίλος της στην καλλιτεχνική και λογοτεχνική υποκουλτούρα του Βερολίνου.

Ο Ντιξ δημιούργησε ένα κάπως μη παραδοσιακό πορτρέτο. Πως και έτσι? Για ένα πράγμα, είναι κομμένο σαν φωτογραφία, ώστε να μην βλέπετε καν τους αστραγάλους και τα πόδια της. Για άλλον, τα αντικείμενα στο κεντρικό τραπέζι φαίνεται να συνιστούν ένα συμβολικό πορτρέτο αυτής της εγκόσμιας φιγούρας. Ο μαύρος κύκλος γύρω από το μάτι της, ένα μονόκλ, τονίζει το γεγονός ότι μας κοιτάζει κατευθείαν. Αισθάνεται σαν πρόκληση — και μάλιστα άβολο!

Σημείωση: Τη στιγμή που γράφτηκε αυτό το άρθρο, αυτός ο πίνακας ήταν δανεικός για μια προσωρινή έκθεση, αλλά επρόκειτο να επιστρέψει στις αρχές του 2023. Επικοινωνήστε με τον ιστότοπο του Κέντρου Πομπιντού ή το γραφείο πληροφοριών για την τοποθεσία του.

3. Πίνακας

Alberto Giacometti | 1933 | Χάλκινο | Επίπεδο 5, δωμάτιο 23

Υπάρχει κάτι ανησυχητικό και σχεδόν ανατριχιαστικό σε αυτό το γλυπτό. Πριν αγχωθείς, ας πηδήξουμε και ας το συζητήσουμε. Πρώτον, πρέπει να ξέρετε ότι ο Ελβετός γλύπτης Alberto Giacometti είναι ακριβώς εκεί πάνω με τον Brancusi όσον αφορά τη σύγχρονη γλυπτική.

Ο Τζιακομέτι δεν ήταν εντελώς αφηρημένος, αλλά η δουλειά του σίγουρα πιέζει το φάκελο. Μπορεί να έχετε δει τα ακατέργαστα χάλκινα γλυπτά του με διασκελισμένες φιγούρες που μοιάζουν περισσότερο με δέντρα το χειμώνα παρά με ανθρώπους. Αυτός ο σουρεαλισμός προχωρά ακόμα πιο μακριά εδώ. Αυτό το χάλκινο γλυπτό που ονομάζεται Table μοιάζει σαν κάτι από ένα περίπλοκο όνειρο, έτσι δεν είναι;

Εδώ στέκεται μια γυναίκα σε ένα τραπέζι με αταίριαστα πόδια. Περίμενε… που είναι τα πόδια της; Είναι το τραπέζι; Είναι φάντασμα; Το πέπλο του Τζιακομέτι στο κεφάλι της σίγουρα το κάνει να νιώθει έτσι. Ο συμβολισμός ενός πέπλου στη σουρεαλιστική τέχνη είναι αρκετά σαφής: κάτι κρύβεται από κάτω του. Πάνω στο τραπέζι, υπάρχει ένα γουδί που χρησιμοποιούν οι αλχημιστές και ένα αποκομμένο χέρι. Και τα δύο είναι εργαλεία αλλά πώς σχετίζονται με τη γυναίκα;

Αυτό είναι το συναρπαστικό του σουρεαλισμού. Προτρέπει σκόπιμα τους θεατές να κάνουν ερωτήσεις για τις οποίες δεν υπάρχουν προφανείς απαντήσεις. Σύμφωνα με τον ιστορικό τέχνης Ντέιβιντ Λόμας, οι σουρεαλιστές κίνησαν το ενδιαφέρον των ιδεών του Σίγκμουντ Φρόιντ, του Βιεννέζου ψυχαναλυτή που έγραψε εκτενώς για τα όνειρα.

Συχνά μιλούσε για τον τρόπο που εμφανίζονταν στα όνειρα αντικείμενα, άνθρωποι και ιδέες χωρίς προφανή σχέση μεταξύ τους. Αυτοί οι καλλιτέχνες πίστευαν ότι τα έργα τους θα μπορούσαν να εμπνεύσουν τους θεατές να κοιτάξουν προς τα μέσα ή να βρουν ατομικό νόημα. Νομίζω ότι τα κατάφεραν, αλλά θα πρέπει να κρίνετε μόνοι σας όταν δείτε το τραπέζι του Τζιακομέτι και άλλα σουρεαλιστικά έργα τέχνης στο Κέντρο Πομπιντού.

2. Η Μούσα

Πάμπλο Πικάσο | 1935 | Λάδι σε καμβά | Επίπεδο 5, δωμάτιο 9

Ένα γυμνό πορτρέτο, ένας σύντροφος στον ύπνο…αλλά τι σημαίνουν όλα αυτά; Εσύ αποφασίζεις. Γιατί; Γιατί ο Πάμπλο Πικάσο έφερε επανάσταση στην τέχνη με τη συν-εφεύρεση του κυβισμού με τον Ζορζ Μπρακ, αλλά δεν έμεινε ανοσία στην απήχηση του σουρεαλισμού. Επίσης, μίλησε πολύ για τον καλλιτεχνικό πειραματισμό και πίστευε ότι ήταν ζωτικής σημασίας να προσαρμοστείς και να αλλάξεις το στυλ σου με την πάροδο του χρόνου, σημειώνει ο ειδικός του Πικάσο, Τζον Ρίτσαρντσον. Και αυτό έκανε!

Αυτός ο μεγάλος πίνακας, που έχει διαστάσεις πάνω από 4′ x 5′, είναι εντελώς διαφορετικός από έναν από τους σχεδόν μονόχρωμους κυβιστικούς πίνακες του Πικάσο. Είναι πολύχρωμο. Τα μόνα πράγματα που είναι παραδοσιακά σε αυτό το έργο τέχνης είναι τα υλικά και το θέμα: παραδοσιακό λάδι σε καμβά και γυμνές γυναίκες. Το γυναικείο γυμνό είναι ένα αγαπημένο θέμα των καλλιτεχνών εδώ και χιλιάδες χρόνια.

Εδώ, η γυμνή γυναίκα που κάθεται στα δεξιά θα μπορούσε να σχεδιάζει τον εαυτό της χρησιμοποιώντας τον καθρέφτη απέναντί ​​της. Στο μεταξύ, η περίεργη μπλε και μωβ σύντροφός της φαίνεται να κοιμάται με το κεφάλι της στο τραπέζι.

Όλη η σκηνή μοιάζει με ένα παράξενο όνειρο, έτσι δεν είναι; Όπως και να το προσπαθήσετε, δεν μπορείτε να το καταλάβετε αυτό. Αντίθετα, όπως ελπίζουν οι σουρεαλιστές, αφήνεις το έργο τέχνης να σου πει κάτι ξεχωριστά και να βρεις κάτι που να σε συνδέει.

1. Κρήνη

Marcel Duchamp | 1917/1964 | Ουροδοχείο και χρωστική πορσελάνη

Μπορεί να σκέφτεστε, «Είναι αυτό ουρητήριο; Αυτό είναι αστείο?” Και θα είχες δίκιο. Ναι, είναι ουρητήριο. Και, ναι, είναι αστείο. Ωστόσο, το αστείο δεν είναι δικό σου. Για τον Γάλλο καλλιτέχνη Dada Marcel Duchamp, το αστείο αφορούσε το καλλιτεχνικό κατεστημένο της Νέας Υόρκης.

Ακόμη και η πιο avant-garde τέχνη δεν ήταν αρκετά έντονη για τον Duchamp και τους συναδέλφους του καλλιτέχνες, συγγραφείς και στοχαστές το 1917. Αμφισβητούσαν όλα όσα αντιπροσώπευε η τέχνη, συμπεριλαμβανομένης της επιμονής ότι μόνο τα παραδοσιακά υλικά μπορούσαν να κάνουν τέχνη.

Γι’ αυτό έφτιαξα αυτό το κομμάτι Νο 1 στη λίστα — ήταν πραγματικά μια αλλαγή του παιχνιδιού. Είτε μας αρέσει είτε όχι, οι άνθρωποι άρχισαν να αναθεωρούν τις αντιλήψεις τους για την τέχνη όταν ο Ντυσάν έκανε αυτό το ιστορικό κόλπο.

Ο Ντυσάν πήρε ένα πορσελάνινο ουρητήριο, το γύρισε, το υπέγραψε «R. Mutt», και το υπέβαλε ανώνυμα σε διαγωνισμό της Εταιρείας Ανεξάρτητων Καλλιτεχνών. Περιττό να πούμε ότι προκαλεί ένα μεγάλο σκάνδαλο. Από τότε άρχισε να φτιάχνει έργα τέχνης από καθημερινά αντικείμενα και τα ονόμασε «Readymades».

Η επιμελήτρια Dalia Judovitz εξηγεί ότι, πιθανώς πάνω από όλα, ο Duchamp αμφισβητούσε την έννοια της πρωτοτυπίας. Τι κάνει ένα έργο τέχνης πρωτότυπο; Τι πιστεύετε, ειδικά αφού το είδατε αυτό;

Σημείωση: Τη στιγμή που γράφτηκε αυτό το άρθρο, το Fountain ήταν δανεικό για μια προσωρινή έκθεση αλλά επρόκειτο να επιστρέψει στις αρχές του 2023. Επικοινωνήστε με τον ιστότοπο του Centre Pompidou ή το γραφείο πληροφοριών για την τοποθεσία του.

Δεν είστε έτοιμοι να κλείσετε μια περιοδεία; Δείτε τις καλύτερες περιηγήσεις μας στο Παρίσι και γιατί.